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Sieben unverzichtbare Sehenswürdigkeiten in Rom, bei denen Sie den Kopf zurücklehnen möchten

Von Michelangelos Sixtinischer Kapelle bis zu den Tempeln des 21. Jahrhunderts.

Die auf sieben Hügeln erbaute antike Stadt verlangt, dass man sorgfältig auf seine Füße achtet – auf die Überreste des Roms von Kaiser Augustus und die Foren, die legendären Kanaldeckel ‘Senatus Populusque Romanus’ (S.P.Q.R. – ‘Der Senat und das Volk von Rom’ auf Latein) und die unaufgeräumten Spuren der geliebten Haustiere der Einheimischen. Unterdessen befindet sich ein bedeutender Teil der Sehenswürdigkeiten Roms oben: die Fresken von Raffael und Michelangelo, die Gewölbe von Richard Meier und die Gemälde von Andrea Pozzo.

Wir erzählen Ihnen von den Decken, Gewölben und Kuppeln, die man unbedingt in seine Spaziergangsroute durch Rom einbeziehen sollte!

Die Ermutigende Sixtinische Kapelle

Auch wenn Michelangelos Fresken für die Sixtinische Kapelle im Vatikan in jedem Reiseführer allen Touristen gezeigt werden, wäre unsere Auswahl ohne sie unvollständig. Außerdem ist dies eine zusätzliche Gelegenheit, Sie daran zu erinnern, wie wichtig es ist, Ihren Besuch im Voraus zu planen. Um Warteschlangen zu vermeiden, empfehlen wir, Tickets für die Vatikanischen Museen online zu kaufen und zur Öffnungszeit zu erscheinen. Übrigens gibt es an Wochentagen weniger Besucher. Dies ermöglicht es Ihnen, ein paar Stunden in der Warteschlange zu sparen, die Sie dann besser zum Beispiel bei einem Spaziergang durch die Päpstlichen Gärten verbringen können. Ein Online-Ticket für die Sixtinische Kapelle kostet 22 Euro, vor Ort kaufen kostet 17 Euro.

Die Sixtinische Kapelle ist Teil der inneren Strukturen des Vatikans, eine ehemalige und jetzt nicht mehr aktive Hauskirche, die im letzten Drittel des 15. Jahrhunderts im Auftrag von Papst Sixtus IV. erbaut wurde. Aus architektonischer Sicht ist alles ziemlich einfach: ein kleines rechteckiges Gebäude aus glattem Stein erinnert an einen Verteidigungsturm. Der Auftraggeber hat jedoch bei der Dekoration nicht gespart. Die Kapelle wurde von den berühmtesten Künstlern jener Zeit bemalt: Sandro Botticelli und Pietro Perugino, Domenico Ghirlandaio und Cosimo Rosselli, sowie deren Gehilfenteam.

Die Sixtinische Kapelle ist Teil der inneren Strukturen des Vatikans, eine ehemalige und nun inaktive Hauskirche, die im letzten Drittel des 15. Jahrhunderts auf Geheiß von Papst Sixtus IV. erbaut wurde. Foto: Sailko / Wikimedia.org
Die Sixtinische Kapelle ist Teil der inneren Strukturen des Vatikans, eine ehemalige und nun inaktive Hauskirche, die im letzten Drittel des 15. Jahrhunderts auf Geheiß von Papst Sixtus IV. erbaut wurde. Foto: Sailko / Wikimedia.org

Michelangelo Buonarroti wurde in den 1510er Jahren zur Bemalung der Kapellenfresken herangezogen, als die ursprünglichen Gewölbedekorationen einer Restaurierung bedurften. In der Auffassung des 16. Jahrhunderts und Papst Julius II bedeutete dies, alles zu übermalen und neu zu gestalten. Einer unbestätigten Legende zufolge war es der Architekt Donato Bramante, ein langjähriger Rivale Buonarrottis, der den Papst überzeugte, gerade Michelangelo einzusetzen, in der Hoffnung, seine Unfähigkeit zu beweisen.

Trotz Michelangelos Versuchen, den päpstlichen Auftrag abzulehnen (zu dieser Zeit sah er sich als Bildhauer und nicht als Maler), wurde er gezwungen, die Kapelle zu bemalen — zuerst die Decke und dann eine der Wände. Der grandiose Zyklus der Erschaffung der Welt an den Gewölben und das dramatische ‘Jüngste Gericht’ an der Altarwand wurden zu den wichtigsten Werken der italienischen Renaissancekunst. Die Decke der Sixtinischen Kapelle illustriert Geschichten aus dem Buch Genesis, die mit der Erschaffung des Menschen und seiner anschließenden Sünde zusammenhängen. Gott erschafft die Sonne, die Planeten, Adam und Eva und bestraft diese später für ihre Schwäche gegenüber der Versuchung.

Klingt schön, aber unklar? Lassen Sie uns das genauer betrachten. Die Untersuchung der Kapelle sollte mit der Identifizierung der Figur Gottes beginnen: Suchen Sie nach dem älteren Herrn in Rosa, der mal die Wolken hält, mal die Sonne beschwört. Alles gemäß dem Text des Buches: ‘Und Gott sprach: „Es werde Licht.“ Und es ward Licht.’ Zustimmen, nicht das einfachste Szenario zum Darstellen! Sobald Sie die Sonne finden, kommen Sie leicht zum berühmtesten Fragment (spezifisch für diese Decke und vielleicht der gesamten Weltkultur) – der Erschaffung des Menschen. Ein halbnackter Adam streckt seine Hand zu seinem Schöpfer aus, dessen Berührung ihm Leben und Sinn verleiht. Die Figur Gottes ist von zahlreichen Zeugen des Wunders umgeben. Nach einer Version gucken unter dem linken Arm des Älteren Eva und ihre ungeborenen Kinder hervor. Einige Forscher erkennen unter den göttlichen ‘Statisten’ die Jungfrau Maria, Sophia die Weisheit Gottes, und manchmal – die menschliche Seele.

Ein halbnackter Adam streckt seine Hand zu seinem Schöpfer aus, dessen Berührung ihm Leben und Sinn verleihen wird. Die Figur Gottes ist von zahlreichen Zeugen des Wunders umgeben. Foto: Calvin Craig / Unsplash.com
Ein halbnackter Adam streckt seine Hand zu seinem Schöpfer aus, dessen Berührung ihm Leben und Sinn verleihen wird. Die Figur Gottes ist von zahlreichen Zeugen des Wunders umgeben. Foto: Calvin Craig / Unsplash.com

Das Fresko ‘Das Jüngste Gericht’ an der Altarwand wurde vom Künstler fast 30 Jahre später gemalt. Es ist ebenso genial, jedoch deutlich weniger optimistisch. Es spiegelt die Erfahrung, das Alter, die Schläge des Lebens und die zerbrochenen Hoffnungen des Künstlers wider. Die Decke der Sixtinischen Kapelle, vom damals jungen Meister geschaffen, trägt den Abdruck des humanistischen Glaubens an die Möglichkeit der Erlösung und dass der Mensch im Bilde Gottes geschaffen ist. Die Wand hingegen spricht von der Unvermeidlichkeit der Vergeltung für Sünden.

Auf der 12 Meter hohen Wand richtet Christus die Menschheit. Die glücklichsten Seelen steigen in den Himmel auf, während Sünder zur Hölle bestimmt sind. Einer Legende nach hat der Künstler sogar sich selbst in die Szene eingebracht — wenn man das so sagen kann über die menschliche Haut in den Händen des Heiligen Bartholomäus, in der einige Michelangelos Selbstporträt sehen. ‘Das Jüngste Gericht’ löste noch vor seiner vollständigen Fertigstellung gemischte Reaktionen der Zeitgenossen aus. Insbesondere erregte die Nacktheit der Figuren den Zorn der Theologen, die später auf Befehl von Papst Pius IV. von Michelangelos Schüler Daniele da Volterra übermalt wurde. Der Schöpfer des ‘Gerichts’ selbst gab sich nicht kampflos geschlagen — so wurde einer der besonders aktiven Gegner der nackten Sünder von Michelangelo in die Komposition aufgenommen, ergänzt durch ein Eselsohren-Porträt.

Auf dem 12 Meter hohen Fresko 'Das Jüngste Gericht' richtet Christus die Menschheit. Die glücklichsten Seelen steigen in den Himmel auf, während Sünder zur Hölle bestimmt sind. Foto: raphaelstrada / Wikimedia.org
Auf dem 12 Meter hohen Fresko ‘Das Jüngste Gericht’ richtet Christus die Menschheit. Die glücklichsten Seelen steigen in den Himmel auf, während Sünder zur Hölle bestimmt sind. Foto: raphaelstrada / Wikimedia.org

Irdische und himmlische Liebe in den Fresken der Villa Farnesina

Ebenso bedeutend, aber aus unbekannten Gründen etwas weniger beliebt, beeindruckt die Decke mit Fresken nach Entwürfen von Raffael.

Die Villa Farnesina, die heute als öffentliches Museum dient, wurde Anfang des 16. Jahrhunderts im Auftrag des Bankiers Agostino Chigi erbaut. Sie befindet sich am westlichen Ufer des Tiber im Zentrum Roms. Der Zugang ist viel einfacher als zum Vatikan, obwohl es immer noch besser ist, morgens zu kommen und ein Ticket online zu kaufen.

Für die Dekoration der Villa Farnesina wählte Raffael ein lebensbejahendes Thema, das mit dem glücklichen Ende der Geschichte von Amor und Psyche verbunden ist. Foto: Kent Wang / Flickr.com
Für die Dekoration der Villa Farnesina wählte Raffael ein lebensbejahendes Thema, das mit dem glücklichen Ende der Geschichte von Amor und Psyche verbunden ist. Foto: Kent Wang / Flickr.com

Der berühmteste Raum der Villa, die Loggia der Psyche, wurde in den 1510er Jahren nach Entwürfen von Raffael von einer Gruppe seiner Schüler bemalt. Als Grundlage für den Freskenzyklus wurde die romantische Geschichte der Liebe zwischen dem Gott Amor und der menschlichen Frau Psyche gewählt. Laut der Mythologie, die uns im 2. Jahrhundertstext ‘Metamorphosen’ von Lucius Apuleius überliefert ist, erregte die außergewöhnliche Schönheit der Prinzessin Psyche den Neid von Aphrodite. Um das Mädchen für ihre Kühnheit zu bestrafen, befiehlt die Göttin ihrem Sohn Amor, der Leidenschaft und Anziehung auf der Erde beherrscht, das Mädchen sich in den niedrigsten der Menschen verlieben zu lassen. Der Held verliebt sich jedoch selbst in Psyche. In Vergessenheit seiner Furcht vor seiner Mutter entführt er die Schönheit und macht sie zu seiner Frau, erscheint aber in den Gemächern seiner Auserwählten nur in völliger Dunkelheit und erlaubt ihr nicht, ihn anzusehen. Psyche, die ihre Neugier nicht zügeln kann und ihren Gatten betrachten möchte, beugt sich mit einer Lampe über den schlafenden Amor, aus der heißes Öl fließt. Verbrannt und beleidigt verschwindet der Gott, und das Mädchen ist zu langen Wanderungen und Prüfungen verdammt, bis Zeus ihrer Wiedervereinigung mit dem Geliebten zustimmt.

Für die Dekoration der Villa wählte Raffael ein lebensbejahendes Thema, das mit dem glücklichen Ende der Geschichte von Amor und Psyche verbunden ist. In zwei Fresken des Deckengemäldes sind das Hochzeitsfest unter den Göttern sowie der feierliche Empfang der Psyche auf dem Olymp dargestellt.

Übrigens, wenn Sie etwas enttäuscht sind, dass Raffael nur das Programm der Malerei entworfen hat und die eigentliche Arbeit von seinen Schülern ausgeführt wurde, beeilen Sie sich nicht, Ihre Tickets zurückzugeben! In einem benachbarten Raum erwartet das bescheidene Fresko ‘Triumph der Galatea’, dessen Hauptfigur — die Nymphe Galatea — von Raffael selbst gemalt wurde, ruhig Ihre Aufmerksamkeit.

In einem Nebenraum der Villa Farnesina wartet das bescheidene Fresko 'Triumph der Galatea', dessen Hauptfigur — die Nymphe Galatea — von Raffael gemalt wurde, ruhig auf Ihre Aufmerksamkeit. Foto: Vicenç Valcárcel Pérez / Wikimedia.org
In einem Nebenraum der Villa Farnesina wartet das bescheidene Fresko ‘Triumph der Galatea’, dessen Hauptfigur — die Nymphe Galatea — von Raffael gemalt wurde, ruhig auf Ihre Aufmerksamkeit. Foto: Vicenç Valcárcel Pérez / Wikimedia.org

Der 3D-Effekt des 16. Jahrhunderts in der Kirche Il Gesù

Die Kathedrale auf der Piazza del Gesù ist bekannt als die Begräbnisstätte von Ignatius von Loyola, dem Gründer der Gesellschaft Jesu der römisch-katholischen Kirche. Für den modernen Besucher ist sie bemerkenswert als eines der ersten Bauwerke, die nach den Kanonen des Konzils von Trient erbaut wurden und als Vorbild für andere römische Kirchen dienten. Nach der Anweisung des 16. Jahrhunderts von Kardinal Carlo Borromeo sollte die Kirchenarchitektur vereinheitlicht werden und als eines der Werkzeuge religiöser Propaganda dienen. Alle Kirchen sollten auf einer Erhöhung und mit strenger Symmetrie gebaut werden, wobei der Hauptaltar direkt gegenüber dem Haupteingang (unbedingt mit rechteckigen, nicht gewölbten Türen) platziert wird. Der Innenraum des Gebäudes sollte geräumig genug sein, um alle Gläubigen frei aufzunehmen.

Il Gesù, erbaut von Giacomo della Porta und Giacomo da Vignola, zeichnet sich durch strenge Symmetrie, einen weiten Kuppelraum und eine erkennbare (sehr italienische) Fassade mit einem dreieckigen Giebel aus. Der wichtigste Akzent in der Architektur der Jesuitenkirchen ist der Raum vor dem Altar (die Vierung — der Teil des Kreuzes, an dem sich die beiden Linien kreuzen).

Das Gebäude Il Gesù zeichnet sich durch seine strenge Symmetrie, einen weiten Raum unter der Kuppel und eine erkennbare (sehr italienische) Fassade mit einem dreieckigen Giebel aus. Foto: Krzysztof Golik / Wikimedia.org
Das Gebäude Il Gesù zeichnet sich durch seine strenge Symmetrie, einen weiten Raum unter der Kuppel und eine erkennbare (sehr italienische) Fassade mit einem dreieckigen Giebel aus. Foto: Krzysztof Golik / Wikimedia.org

Das zentrale Kirchenschiff ist mit dem Gemälde ‘Der Triumph des Namens Jesus’ von Giovanni Battista Gaulli geschmückt, das die Illusion von schwebenden Wolken erzeugt. Der Trompe-l’œil-Effekt, der in der Barockzeit sehr beliebt war, wird für sein Meisterschaft in der optischen Täuschung hoch geschätzt. Er erlaubte dem Künstler, die Ingenieurstruktur des Gebäudes, die tragenden Säulen und Gewölbe zu verdecken und stattdessen die Decke mit über die Grenzen der Kuppel hinausreichenden Wolken, schwebenden Heiligen und Sonnenstrahlen zu füllen.

Eine angenehme Neuerung in italienischen Kirchen, die Fans von originellen Selfies erfreuen wird: Genau in der Mitte des Hauptschiffs befindet sich ein Spiegel, der nicht nur das einfache Betrachten aller Dekorationselemente ermöglicht, sondern auch einige beeindruckende Aufnahmen zulässt. Für ein vollständiges ästhetisches Erlebnis können Sie ein paar Euro in den nächstgelegenen Spendenkasten werfen und die Beleuchtung der Kuppel für ein paar Sekunden einschalten.

Das zentrale Kirchenschiff ist mit dem Gemälde 'Der Triumph des Namens Jesus' von Giovanni Battista Gaulli geschmückt, das die Illusion von schwebenden Wolken erzeugt. Der Trompe-l'œil-Effekt, der in der Barockzeit sehr beliebt war, wird für seine Meisterschaft in der optischen Täuschung hoch geschätzt. Foto: John Samuel / Wikimedia.org
Das zentrale Kirchenschiff ist mit dem Gemälde ‘Der Triumph des Namens Jesus’ von Giovanni Battista Gaulli geschmückt, das die Illusion von schwebenden Wolken erzeugt. Der Trompe-l’œil-Effekt, der in der Barockzeit sehr beliebt war, wird für seine Meisterschaft in der optischen Täuschung hoch geschätzt. Foto: John Samuel / Wikimedia.org

Die Scheinkuppel in Sant’Ignazio

Eine weitere optische Täuschung verbirgt sich im Inneren von Sant’Ignazio, einer späteren Jesuitenkirche. Lassen wir die Beschreibung der Fassade aus — sie ähnelt sehr der Kirche Il Gesù, was wiederum die These bestätigt, dass das Konzil von Trient ein bestimmtes Muster in der Kirchenarchitektur vorgab.

Das Deckengemälde ‘Die Apotheose des Heiligen Ignatius’ stellt nicht nur das Triumph des Heiligen Ignatius dar, sondern auch die barocke Täuschung des Trompe-l’œil. Beim Betreten der Kirche öffnet sich dem Betrachter ein Blick auf in den Himmel steigende Bögen und Kolonnaden, schwebende Figuren von Heiligen und auf Wolken ruhende Engel. Echte und gemalte Architektur verflechten sich miteinander, gehen ineinander über und berauben den Betrachter vollständig der Fähigkeit, Wahrheit von Illusion zu unterscheiden.

Nach dem Betreten der Kirche öffnet sich dem Betrachter der Blick auf in den Himmel steigende Bögen und Kolonnaden, schwebende Figuren von Heiligen und auf Wolken ruhende Engel. Die echte und die gemalte Architektur verflechten sich miteinander, gehen ineinander über und berauben den Betrachter vollständig der Fähigkeit, Wahrheit von Illusion zu unterscheiden. Foto: Diego Delso / Wikimedia.org
Nach dem Betreten der Kirche öffnet sich dem Betrachter der Blick auf in den Himmel steigende Bögen und Kolonnaden, schwebende Figuren von Heiligen und auf Wolken ruhende Engel. Die echte und die gemalte Architektur verflechten sich miteinander, gehen ineinander über und berauben den Betrachter vollständig der Fähigkeit, Wahrheit von Illusion zu unterscheiden. Foto: Diego Delso / Wikimedia.org

Der Schöpfer und Ausführender der Malerei war der Künstler Andrea Pozzo, der auch der Architekt der Kirche war und der Autor des Traktats ‘Perspectiva Pictorum et Architectorum’, einem der ersten Selbstlernbücher zur Theorie der perspektivischen Darstellung.

Bezeichnend ist, dass, als beim Bau der Kirche Sant’Ignazio das Geld für eine Kuppel nicht ausreichte, Pozzo sie einfach malte. Hierbei handelt es sich nicht um bescheidene Dekorationen, sondern um eine vollwertige Täuschung, die viele für eine echte Kuppel halten. Um die Illusion am besten zu erleben, sollte man auf den Marmorkreis auf dem Kirchenboden treten. Dieser Punkt ist als der Ort markiert, von dem aus sich der atemberaubendste Blick entfaltet.

Der himmlische Reigen in Sant’Andrea della Valle

Auf dieser Etappe der römischen Spaziergänge fühlt sich der Tourist bereits so erfahren, dass er von einer weiteren Kirche kaum ein Wunder erwartet. Dennoch überrascht die Kuppel mit Fresken von Giovanni Lanfranco, einem Schüler der legendären Brüder Carracci, in der Regel. Insbesondere, da es diese weniger bekannte Kirche ist, die chronologisch die Geschichte der italienischen Trompe-l’œil-Fresken des 17. Jahrhunderts beginnt.

Die Komposition ‘Die Verherrlichung des Paradieses’ wurde in den 1620er Jahren ausgeführt und ist somit ein Beispiel für den frühen barocken Illusionismus. Die Fresken in Il Gesù und Sant’Ignazio wurden jeweils in den 1670er und 1690er Jahren vollendet. Unter der Kuppel von Sant’Andrea della Valle sind unzählige Figuren dargestellt, die in konzentrischen Kreisen angeordnet sind und den Blick des Betrachters auf einen illusorischen Punkt außerhalb der Kirche lenken. Körper, die sich in eine Masse aus Licht verwandeln, bewegen sich endlos in einer Spirale und illustrieren nicht so sehr eine bestimmte Geschichte als vielmehr ein emotionales Erlebnis — Ekstase angesichts der Ewigkeit.

Unter der Kuppel von Sant'Andrea della Valle sind unzählige Figuren dargestellt, die in konzentrischen Kreisen angeordnet sind und den Blick des Betrachters auf einen illusorischen Punkt jenseits der Kirche lenken. Foto: Fiat 500e / Wikimedia.org
Unter der Kuppel von Sant’Andrea della Valle sind unzählige Figuren dargestellt, die in konzentrischen Kreisen angeordnet sind und den Blick des Betrachters auf einen illusorischen Punkt jenseits der Kirche lenken. Foto: Fiat 500e / Wikimedia.org

Neben Lanfranco arbeitete auch Domenichino an der Dekoration von Sant’Andrea della Valle, dem die Bemalung der Gesimse mit Bildern der Evangelisten (vier Figuren unter der Kuppel) zugeschrieben wird. Nachdem Sie die Rotationen des ‘Paradieses’ bewundert haben, vergleichen Sie die Ansätze der beiden Künstler zur Darstellung. In dieser Gegenüberstellung gibt es alles – den Konflikt zwischen Tradition und Innovation, klassischer Form und barocker Expression, Klarheit und Effekt. Die beiden Pole, vertreten durch den besonnenen Domenichino und den dekorativen Lanfranco, bieten einen prägnanten Kommentar zur Frage der Geschichte der italienischen Kunst im Allgemeinen, die sich auf den Weg gemacht hat, das Gefühl von den strengen Grenzen der idealen Klassik zu befreien.

Moderne Kirchenarchitektur am Stadtrand

Gemeinsam mit dem amerikanischen Architekten Richard Meier machen wir einen Sprung ins 21. Jahrhundert und verlassen das Zentrum Roms in Richtung Stadtrand. Das ist das Schicksal einer Stadt mit tausendjähriger Geschichte – für die Moderne muss man zwei Umstiege machen und über einen Fußballplatz gehen.

Aber solche Mühen lohnen sich. Vor allem, da die Kirche Dio Padre Misericordioso von einem Pritzker-Preisträger erbaut wurde, einem Nachfolger der Ideen von Le Corbusier und Mies van der Rohe. Der für seine Vorliebe für die weiße Farbe bekannte Architekt baute in den 2000er Jahren am Stadtrand von Rom eine einschiffige Kirche, deren Hauptbereich von Segeln aus Stahlbeton ‘umarmt’ wird. Das gesamte Gebäude ist durchdrungen von natürlichem Licht, unterbrochen nur durch ein hölzernes Kreuz – das einzige Element der Innendekoration der Kirche.

Die Kirche Dio Padre Misericordioso wurde von einem Pritzker-Preisträger erbaut, einem Nachfolger der Ideen von Le Corbusier und Mies van der Rohe. Foto: Federico Di Iorio / Wikimedia.org
Die Kirche Dio Padre Misericordioso wurde von einem Pritzker-Preisträger erbaut, einem Nachfolger der Ideen von Le Corbusier und Mies van der Rohe. Foto: Federico Di Iorio / Wikimedia.org

Von puristischen Idealen fasziniert, balanciert Richard Meier zwischen knapper, sogar asketischer Gestaltung und originellen formalen Lösungen. In der Kirche gibt es keine eindrucksvollen Fresken, doch werden sie ersetzt durch beeindruckende Formen von gebogenen Wänden, deren Schatten den Raum in gleichmäßige geometrische Figuren teilen. Hier muss man nach oben schauen – trotz der vollständigen Nichtübereinstimmung mit den Kanonen des Konzils von Trient. Meier führt den Besucher durch Licht, Schatten und Reflexionen der Sonnenstrahlen auf den weißen Dachpaneelen zu Gott.

Und ein Muss für die Weltstadt von Zaha Hadid

2010 eröffnete in Rom das erste unabhängige Museum für zeitgenössische Kunst in der italienischen Hauptstadt, MAXXI. Das Projekt beeindruckt mit seinen Zahlen — 27.000 Quadratmeter für Ausstellungen, einen Vortragssaal, Werkstattbereiche; 150 Millionen Euro für die Umsetzung; das bis zu diesem Zeitpunkt größte Projekt der Architektin Zaha Hadid.

Das Museum für zeitgenössische Kunst MAXXI beeindruckt mit seinen Zahlen — 27.000 Quadratmeter, die Ausstellungen, einen Hörsaal, Werkstattbereiche beherbergen; es war das größte Projekt der Architektin Zaha Hadid zum Zeitpunkt der Eröffnung. Foto: MAXXI – Nationales Museum der Künste des 21. Jahrhunderts
Das Museum für zeitgenössische Kunst MAXXI beeindruckt mit seinen Zahlen — 27.000 Quadratmeter, die Ausstellungen, einen Hörsaal, Werkstattbereiche beherbergen; es war das größte Projekt der Architektin Zaha Hadid zum Zeitpunkt der Eröffnung. Foto: MAXXI – Nationales Museum der Künste des 21. Jahrhunderts

Die Architektin hatte mehrere wichtige Aufgaben. Das Gebäude musste sich in die umliegende historische Bebauung des Stadtteils Flaminio einfügen, den Kuratoren Freiheit bei der Erstellung von Ausstellungsprojekten bieten und das natürliche Licht maximal nutzen. Das Ergebnis ist ein L-förmiges Bauwerk, das aus mehreren unabhängigen Formen besteht. Es scheint, als ob das Gebäude organisch wuchs und allmählich unter der brennenden Sonne erstarrte. Innen gibt es eine minimale Aufteilung in Hallen und Räume: Das Fehlen offensichtlicher Wände ermöglicht es Galerien, Rampen und Glaspaneelen, architektonische Muster zu schaffen, die an ein Kaleidoskop erinnern, in dem jede Drehung einen neuen visuellen Effekt bietet.

Man kann immer seitwärts, durch, von unten nach oben und von oben nach unten schauen. Das Auge fängt schwarze, gewundene Treppen oder dünne Tragbalken. Wo auch immer das Auge fällt, im Inneren des MAXXI kann man nicht dem Gefühl eines lebendigen, unabhängigen Raumes entkommen, der die pompöse italienische Luft erfrischt und mit einem durchgehenden Blick durch alle drei Etagen zeitgenössischer Kunst fesselt.

Im Inneren des MAXXI gibt es eine minimale Aufteilung in Hallen und Räume: Das Fehlen offensichtlicher Wände ermöglicht es Galerien, Rampen und Glaspaneelen, architektonische Muster zu schaffen, die an ein Kaleidoskop erinnern, in dem jede Drehung einen neuen visuellen Effekt bietet. Foto: Jean-Pierre Dalbéra / Wikimedia.org
Im Inneren des MAXXI gibt es eine minimale Aufteilung in Hallen und Räume: Das Fehlen offensichtlicher Wände ermöglicht es Galerien, Rampen und Glaspaneelen, architektonische Muster zu schaffen, die an ein Kaleidoskop erinnern, in dem jede Drehung einen neuen visuellen Effekt bietet. Foto: Jean-Pierre Dalbéra / Wikimedia.org

Text: Daria Dudko

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